KEROXEN10: noviembre 2010

martes, 30 de noviembre de 2010

DUO SCARBÓ: CUATRO MANOS TOCAN MEJOR QUE DOS

El Dúo Scarbó desborda tal elegancia y virtuosismo que es inevitable no caer en elogios ante estas dos grandísimas pianistas: Laura Sánchez y Elena Hammel. Asistir a uno de sus conciertos es todo un privilegio ya que si no es habitual ver un repertorio de piano a cuatro manos, el dúo es capaz de sacarle partido al instrumento de diversas maneras reinventando hasta el límite las sonoridades del piano en una coordinada coreografía.

¿Qué les ha parecido el espacio donde han tocado esta noche?

Laura Sánchez: El escenario me ha parecido maravilloso, desde el primer momento que lo vi desde fuera me impresionó, y luego al entrar en ese espacio oscuro con las luces en los bidones es increíble. Es muy agradable además para tocar, se está muy a gusto.

Elena Hammel: La entrada parece un laberinto que de repente se abre y aparece un árbol azul enorme, es precioso, quieres mirar el techo.

Tanto cuando realizan obras para dos pianos o para uno sólo a cuatro manos, ¿es difícil compenetrarse entre las dos y más viviendo en lugares distintos?

Elena Hammel: Bueno, eso es reciente, yo estuve viviendo doce años en Madrid y tuvimos ocho años para compenetrarnos y si no lo conseguimos en ese tiempo... olvidate de que funcione.

Laura Sánchez: Trabajamos y ensayamos muchísimo juntas, en los últimos años hemos trabajado mucho a través de email, grabábamos nuestra parte cada una y nos la enviábamos. Cada una iba ensayando un poquito y funciona porque luego te juntas y tienes mucho ganado.

Elena Hammel: Ya es cuestión sólo de perfilar un par de cuestiones que no van a metrónomo y en dos días está listo para tocar.

Llama la atención la cantidad de autores contemporáneos que han realizado obras en exclusiva para ustedes, como es el caso de Turina.

Laura Sánchez: Hay unos cuantos compositores como José Luis Turina, un compositor andaluz llamado José Miguel Moreno, también Santiago Lanchar es otro compositor del que hemos estrenado una obra recientemente, la semana pasada.

Elena Hammel: Ramón Guridi, compositor chileno que vive ahora en Berlín y que nos compuso una

obra que es actuada y tocada y que está muy bien. La verdad que hemos tenido mucha suerte porque todas las obras que nos han compuesto han sido muy buenas.

¿Existe abundante repertorio para cuatro manos?

Laura Sánchez: Hay repertorio muy antiguo, más clásico; se van haciendo cada vez más cosas pero es difícil encontrar dúos de piano que funcionen y que estén tocando. No hay tantos por supuesto como pianistas solistas o otro tipo de agrupaciones de cámara porque somos dos que tocamos un mismo instrumento y que tenemos educada la misma personalidad artística y pueden surgir bastantes peleas en ciertos momentos. Y encima en un piano a cuatro manos estás totalmente pegado y no es fácil encontrar una persona con la que de verdad puedas congeniar bien, ensayar y aguantar.

Elena Hammel: Para el compositor requiere una visión del sonido muy especial porque se crea para dos en un mismo instrumento y se puede hacer muy pesado tener tantas notas en un mismo piano, es saber balancear bien lo que es el sonido del piano con veinte dedos y no todos los compositores logran eso.

Los conciertos de piano suelen ser más estáticos, pero por la gran movilidad y coordinación con la que tocan el concierto se convierte casi en una performance

Elena Hammel: Es como una coreografía, porque cuando estamos en el mismo piano nos chocamos y a veces una tiene que tocar entre los dedos de la otra. Eso empieza muy lentamente, todo lo que has aprendido de técnica clásica de piano se va por la ventana a la hora de coordinar.

Laura Sánchez: Y eso en un piano a cuatro manos, luego en dos pianos por ejemplo, la semana pasada que tocamos en el Festival de Música Contemporánea de Tres Cantos donde estrenamos esta obra de Santiago Lanchares y otra obra de José Luis Turina que compuso para nosotras, y el problema para dos pianos es que no te escuchas bien porque tienes las dos cajas de resonancia de los pianos enfrente, entre una y otra, y es difícil coordinar el sonido, las respiraciones y no te ves los gestos. En dos pianos se pueden conseguir una gran cantidad de efectos sonoros pero es mucho más difícil porque no escuchas igual y hay que trabajarlo mucho. Las obras que nos componen intentamos siempre interpretarlas delante de los creadores porque así sabemos lo que ellos quieren.

En la pieza “Celestial Mechanics” de George Crumb, la última que tocaron en su actuación en El Tanque, ¿cómo se puede leer la partitura para saber cuando hay que levantarse y tocar dentro de la caja?

Elena Hammel: Leer esa partitura llevó su tiempo, fue un proceso lento porque tienes que aprender lo que son las distintas señales de apagar las cuerdas, hacer armónicos, o los toques dentro de la madera, entonces cada toque tiene su señal y cada compositor lo hace a su manera. Al principio tienes que ir muy lento con un metrónomo, pero ya cuando se toca un par de veces no tiene porque haber problemas.

Laura Sánchez: La obra fue compuesta para un piano Steinway de concierto, y cuando vas a un escenario te encuentras el piano que te encuentras y no tienen las mismas barras, los armónicos no coinciden en el mismo sitio, hay veces que tienes que meter los dedos debajo de las barras para conseguir el armónico imposible. Algunos armónicos tuvimos que cambiárnoslos entre nosotras casi a última hora y había que improvisar con ello.

¿Tienen repertorio en solitario o se dedican casi exclusivamente al dúo?

Laura Sánchez: Profesionalmente nos hemos dedicado más al dúo porque de verdad no hay tiempo, esto nos consume todo el tiempo y nos encanta. A veces trabajo con coros, coros de niños, soy profesora del Conservatorio de Getafe y toco con gente, pero es otro nivel diferente. El de exigencia de concierto de verdad es con dúo, no queda tiempo para nada más.

Ya que te queda poco para dar a luz (Elena Hammel), ¿qué repertorio para bebés o música infantil recomiendas?

Elena Hammel: En mayo vamos a tocar en Puerto Rico “El carnaval de los animales” (Camile Saint-Saëns) y es perfecto para bebés porque tienes a todos los animales interpretados en música. Es lo que va a escuchar cuando nazca.

Texto y fotos: Rayco Arbelo y Eva Sanabria

lunes, 15 de noviembre de 2010

MENOS MAL QUE EXISTE THE BIG HEAD TROUBLED BOY

Cuando lo dejas todo por la música es porque realmente tiene que haber una pulsión interna que te empuje a ello, una irrefrenable necesidad de expresarse y sacar fuera las emociones antes de que se pudran dentro. Mucho le debemos a todos esos músicos que se han lanzadoy que han puesto banda sonora a nuestras vidas, pues no es al fin y al cabo la poética la historia de los sentimientos.

Mireia se arriesgó por su música y tras un largo y duro proceso de grabación colgó su primer disco para que se lo descargaran a partir de 0€, dejando claro que lo que quería es que la escucharan. Detrás de una apariencia delicada se esconde una gran voz que nos narra historias crudas, tal vez porque son reales y no hay nada más crudo que lo que has vivido en tus carnes, experiencias de las cuales cuesta reponerse, y que el sacarlas en canción quizás llegue a ser liberador. En el arte de la música parecer ser inevitables los símiles pero me parece una blasfemia el compararla con esa horda de cantautoras femeninas indies actuales, simplemente por el hecho de ser mujer y tocar la guitarra. Por favor no le hagáis eso, a ella no.

¿Cómo ha sido la gestación del "Broken", el hecho de que haya sido autoeditado, todo lo que te ha costado irte a Inglaterra, y el proceso en sí de creación de las canciones?

Pues muy largo, complicado, y caro. De algo de lo que estoy muy orgullosa es de haberlo realizado yo sola, pero bueno ha sido muy dificultoso, sobretodo el tema de haber ido a Londres a grabar que es mucho más caro. Es díficil el conseguir determinados medios que están en tu cabeza y que sabes que no te los puedes permitir, pero tenía el objetivo de un disco con un trio de jazz y trabajé como una loca para conseguirlo y poder pagar el disco, no trabajaba para otra cosa.

Respecto a la creación de las canciones, ha sido un proceso muy interesante, la verdad es que empecé a escribir hace años, cuando tenía 15, pero las canciones del Broken tiene unos tres o cuatro años, de cuando volvi de Londres. Si me pongo soy muy productiva, llego a escribir dos o tres canciones al día, no necesariamente muy buenas o acabadas, normalmente las olvido. Para el "Broken" sólo tenía que elegir diez canciones y éstas eran las que fui recuperando porque a los dos o tres días de componerlas las cantaba, me acordaba o pensaba que se podía trabajar sobre este tema. Sin embargo, para el segundo disco que estamos grabando ahora he tenido que elegir trece canciones de seis meses y vas con más miedo pensando que los temas quizás no tengan tanta fuerza. La idea es que las canciones funcionen por sí solas porque a veces los discos que escuchamos los hacen grandiosos todos los arreglos, la producción y el trabajo en estudio, pero luego en el directo es muy díficil defenderlos solamente con guitarra y voz.

¿Qué diferencias con respecto al sonido hay en el segundo disco en comparación con el "Broken"?

Broken es un disco que pretende ser minimalista y no es muy pretencioso. Las canciones son cortas y precisas, quería recoger unas historias de los ultimos años y explicarlas a través de fotografías, imágenes, sabores, cosas muy pequeñas. Se hizo con mucha prisa en cinco o seis días y se invirtieron pocas horas de estudio y muchas de logística, pensando y maquinándolo. "San Antonio", que es el segundo disco, es más bien una explosión de energía, rabia y enfado. Tiene muchísima percusión y es muy distinto a la tranquilidad del "Broken", ya que mucha gente me dice que éste le relaja y eso no sé si es bueno o malo; es un disco que no se puede bailar en una fiesta.

"Broken" si puede parecer relajado pero se transforma en un directo cargado de rabia, que quizás se acomoda más a las letras, ¿llega a ser catártico para tí expresar eso en directo?

Todo el mundo dice que la canción Revenge que abre el disco es bonita, pero la letra es muy jodida, es un reproche continuo. Dice "no me importa que me abandones, no me importa pagarte las deudas", y me pasó de verdad. Es una canción que explica como una persona con la que estaba de alguna manera muy unida, desapareció para no volver, y explica todo el enfado, el luto y el proceso que viví. El disco habla de toda esa ruptura, de lo que se rompe, se destroza de un día para otro y necesitas recomponer y volver a creer en eso, e intentar reconciliarte con tus sentimientos y con la confianza que se pierde por completo. Es un disco muy crudo en letras y muy preciosista en música. Sin embargo "San Antonio" tiene una música con más fuerza , si en el "Broken" procure no gritar y no alterar más el dolor, en este segundo disco me he permitido subir el volumen, gritar, es la pelea y luego espero que llegue la calma absoluta, y haré un disco zen. Creo que ha sido un proceso natural, primero el llanto y el recogimiento y luego el grito y la fuerza. Las letras de "San Antonio" son más emocionales.

Tienes proyectos en catalán (Tired Hippo), en castellano (No nos llamamos Fiodor) y en inglés (The Big Head Troubled Boy), ¿tienes alguna lengua en la que te sientas más comoda a la hora de expresarte?

Cuando me fui a Inglaterra me marcó tanto... mi primer viaje allí fue con 17 años, y aprendí inglés de manera rápida, me pasaron muchas cosas y empece a escribir en inglés, a escribir poemas y correspondencía. Me enamoré en inglés; y al tener una relación con una persona de origen canadiense tenía la necesidad de expresarme en inglés y aprendí a elaborar el lenguaje de forma más emocional, lo que provocó que empezara a componer en este idioma. Nunca había escrito antes, pero ahora si escribó en castellano y tengo intención de que "San Antonio" nos traiga una canción en castellano porque por ejemplo mi madre es mexicana y cantó canción mexicana muchas veces, es pura emocionalidad y no tiene nada que ver con lo que hago con Big Head. Por otro lado la temática de No nos llamamos Fiodor con temas como: Ese chandal es del LIDL, Rita Barberá, Los clásicos rusos..., son cosas más rebeldes. Es como tener diferentes creadores dentro de mí y cuando me siento a escribir algo, ellos sólos toman la dirección dependiendo de como funcionen. Las canciones con una respuesta emocional más fuerte normalmente acabán en inglés, pero quiero moverme más profundamente hacía el castellano. Otra cosa que afecta es nuestra educación musical, personalmente todo lo que escucho es en inglés lo que es indiscutible que te afecte. Es muy dífícil cantar en castellano sobre determinados temas porque no estamos acostumbrados, y como trates un tema más emocional todo suena a Amaya Montero.

¿En qué sentido te ha perjudicado el hecho de ser mujer en la industria musical y que te comparen con productos como Russian Red por el simple motivo de ser mujer y tocar la guitarra?

Siempre me quejo porque me dicen: "tocas la guitarra y cantas como Russian Red", y siempre contesto "y como Bob Dylan o Stephen Malkmus" puestos a poner referentes. Ser mujer te limita al campo de las mujeres que tocan y cantan, a lo mejor no soy una gran guitarrista pero me dicen que para ser tía toco muy bien y les mando a la mierda. Cuando me fui a comprar la guitarra, una Gibson J100, el dependiente me dijo que esa guitarra no era de chica, que tenía unas guitarras blancas muy bonitas,¡blancas! Piensas hasta que punto la calidad musical se limita a nuestra cultura, a lo que estamos acostumbrados, es complicadísimo escribir canciones cursis y cantarlas en la voz de una mujer porque te estas perjudicanto a ti misma, le estas haciendo daño al mercado musical ya que estas creando fresas con nata

Por ejemplo escuchas a Micah P. Hinson y es maravilloso, pero si sus canciones las cantara una mujer sería lo más empalágoso de la historia entera, sonaría en Cadena 100 y a la gente le encantaría. Hay mujeres que me gustan como cantan como PJ Harvey, Nina Simone, Cat Power o la vocalista de Beach House porque tienen la voz supergrave. Tengo que enfrentarme al hecho de que tengo que escribir para voz de mujer, es como negar algo que es tan natural que no debería ser así, uno de mis proyectos futuros es escribir canciones y que las cante un chico porque a mi lo que me gusta es escribir, interpretar ha sido secundarío. Muchas veces me han acusado de machista, no me importa porque me gusta ser provocadora, ya estoy cansada de discriminación positiva, del te lo perdonamos por ser mujer. Sinceramente creo que somos animales y que cada uno expresa el lenguaje como puede y el mio es el musical y luego está toda la cultura, lo que nos venden y lo que tenemos. Soy muy rádical con ciertos puntos de vista, muchos se esperan que yo sea delicada y diga cosas como "la música es muy bonita", pues no, la música es una mierda, es muy complicada y muy cara, exige muchos sacrificios y es un mundo de hombres y yo pertenezco al género opuesto. No estoy completamente de acuerdo con el tema del género.

¿Qué sacrificio te supone tocar con músicos profesionales?

Voy con un trio con el que, por ejemplo, para hacer este concierto en Keroxen no hemos ensayado. Los contrato para los conciertos y nos vemos uno o dos días antes de hacerlos. La que lleva la composición, el proceso creativo y la producción soy yo, a mi me satisface porque sé que es mi proyecto y que luego trabajas con gente. Ellos son muy buenos y tienen mucha más experiencia que yo. No somos un grupo de amigos que quedamos y ensayamos los sábados, es Mireia que llama a su banda para reunirse en una ciudad del mundo, cuando hay temas nuevos les envió las partituras y los compases. Estoy muy contenta porque los resultados son bastante positivos.

"El Tanque" es un lugar único con una acústica especial, pero aún así hay voces políticas que están tratando de eliminarlo por cuestiones meramente especulativas. ¿Cómo ha sido la experiencia de tocar en un espacio como éste?

Yo creo que deberíais traer a Rita Barberá a que gestione esto, estoy a favor de la urbanización masiva y creo que quedaría muy bien un hotel de tres estrellas ahí, pero un hotel de estos cutres de pared de papel en los que se escucha todo. Es broma. Es una maravilla que exista un lugar como El Tanque, aluciné tocando allí, es muy especial, y me encanta la instalación y la iluminación; es muy díficil sonorizarlo, pero que se hagan estas propuestas es increible. Para mí fue una gran experiencia el venir y tocar, cuando veía al público en ese espacio que es como un circo, estaba alucinando, se notaba muchísimo la energía, es una maravilla que la industrialización nos haya dado cosas como estas, tan maravillosamente humanas, latentes y vitales. Ojalá se hicieran conciertos cada sábado, es una pasada. Si me invitan otra vez vengo.

Texto y fotos: Rayco Arbelo y Eva Sanabria

domingo, 14 de noviembre de 2010

BONNIE Y LA CREACIÓN EXPERIMENTAL EN CANARIAS

Gaf y La estrella de la muerte

Ante el espectro tan amplio de sonidos y estilos que podemos encontrar en la música, un músico que se precie no puede cerrarse a un sonido determinado sino que tiene que estar abierto a todas las influencias auditivas que le puedan llegar, ¿pues no es para un músico el mejor alimento la diversidad rítmica y armónica?

Mladen Kurajika "aka" Bonnie, lleva más de una década batallando y haciendo que la música experimental en Canarias tenga un nombre. Desde los desaparecidos Emeth, los múltiples formatos de GAF (proyecto con el que recientemente han fichado por Foehn records) o el más ruidista Afgan, no ha parado de investigar y colaborar con otros músicos sin cerrarse a ningún sonido concreto, sino que con gran iniciativa despliega una amplia variedad de estilos e influencias. Además de miembro del Colectivo Drone, ha colaborado en la organización de los festivales Croma, Próximos y también ha tenido un papel destacado en las dos ediciones del Keroxen.

¿En qué momento se encuentra Gaf después de fichar por Foehn records?

Gaf está en un buen momento, la cosa va marchando y estamos en el camino. Son ya diez años desde que el proyecto está activo, con sus pausas, pero parece ser que ya está llegando a alguna parte, el dónde, no lo sabemos. El sello está interesado y nos empuja a seguir para delante, saca nuestro material y nos está promocionando, también parece que tiene buena crítica en los círculos más especializados. Llevamos dos años a saco, por eso hemos sacado dos discos y ahora estamos grabando el tercero, el año pasado no paramos de tocar y este año sigue existiendo buena oferta , lo que nos da una cierta comodidad a la hora de plantearnos el futuro. Si seguimos así, pues disfrutaremos, pero no sé hasta donde podremos llegar.

Los grupos se quejan de que no existen locales para tocar en la isla, aunque ahora con el Honky eso ha cambiado un poco, pero el año pasado fue raro el mes en el que no hicieran algún concierto.

El año pasado hicimos aproximadamente unos treinta conciertos, tocamos en casi todos los grandes eventos de Tenerife, en Las Palmas, la Peninsula, París, Amsterdam, Berlin... y México este año. Ha sido constante, pero no sólo a nivel de tocar sino también a nivel de producir, montar cosas, todo al fin y al cabo es lo mismo porque si no estas tocando igual estas montando algo, al mismo tiempo estás aprovechando para hacer contactos y mover la cosa de otra forma. El año pasado fue curioso porque hubo bastante movimiento en Tenerife y la gente quería contar con nosotros, tanto un par de festivales grandes que ha habido, como el Espacio Enter del TEA o el Eólica que creó el Espacio Experimental, como otros eventos. La verdad es que nosotros siempre estábamos dispuestos y esa es la razón, el sufrimiento y a veces el masoquismo de uno para tocar tanto.

¿De dónde sacas tiempo para tantas colaboraciones?, porque no sólo es Gaf o Afgan, sino Pumuky, Tupperware, Rob Mazurek, Stephen Lawrie, ahora la colaboración con Élida, que era ya lo que te faltaba, el hacer bandas sonoras.

Hay un proyecto en camino con D.WattsRiot y con Juan Belda hay otra colaboración, pero ahora estámos aprovechando para grabar el tercer disco que es La Estrella de la muerte, con el formato que estamos tocando ahora, y después necesitaremos un descanso, dedicarnos a tocar los temas de siempre, los de toda la vida. También es curioso que hace tres años cuando trabajaba con dos o tres miembros de Gaf, cuando haciamos sólo Gaf, lo grababa y lo llevábamos al directo, sacamos tres discos y también fue una locura, y luego de repente tres años sin nada, todo se acumula y ahora, con lo de Foehn nadie esperaba esto. Íbamos a hacer un disco poco a poco, pero resultó que les mostré, en una feria a la que fui a tocar con Pumuky en el Monkey Week, una maqueta con los temas de tres formatos y nos dijeron, pues los tres formatos. Era un momento en el que ya pensábamos incluso en la autoproducción, a nivel local.

¿A qué se deben las diferentes formaciones de Gaf ?

Eso tiene que ver más con la filosofía misma del proyecto, de hecho nos tratan como si fuéramos un colectivo, que puede ser. En Foehn nos toman directamente como Gaf para simplificar las cosas, pero aunque sean diferentes formatos, realmente es el mismo rollo aunque los componentes son distintos y también el material. Nosotros somos bastante abiertos, nos gustan un montón de cosas, y a la hora de hacer un disco, de hacer un formato, tenemos que desechar muchas cosas por aspectos estéticos y también por la infraestructura. Hemos pensado que lo mejor es separar, los tres formatos están en activo pero cada uno a su tiempo porque son estilos distintos. La Supreme es más duro, con temas más largos, más experimental e instrumental, más drone; La Estrella de la Muerte es más suave, más folk y comercial, y Gaf sólo puede ser cualquier cosa, de todo un poco.

Con respecto a Afgan, es un proyecto bastante arriesgado porque cuando todo el mundo busca la armonía, aquí investigas más en lo inarmónico, que es por donde le queda mucho camino a la música por desarrollarse. ¿Puede considerarse tu proyecto más personal?

Quizás porque en Gaf no encontraba su salida, surge como necesidad de investigar, explorar un universo que no es posible ni con Gaf ni con Tupperware, el ambient y el ruido. Precisamente por eso no hay melodía, se centra en la nada, en el silencio, es como una autopista constante que va para arriba, normalmente son sets de un tema o como mucho dos, que empieza en una parte y termina en otra no se sabe donde. Lo que intento conseguir es la bulla, y muchas veces en la medida de lo posible provocar una reacción física, que no es fácíl porque necesitas mucho sonido. Es una música oscura, intento que no se me vea a mí, que yo no esté presente, crear una atmósfera y dejar que se desarrolle por si misma, por supuesto siempre dependiendo de mi estado de ánimo.

Afgan

Afgan me parece bastante respetable porque es una música que si ya no es fácil de aceptar a nivel especializado, el hacerlo en un círculo reducido como éste es más loable si cabe por su dificultad. ¿Cómo ves su aceptación en Canarias?

Está claro que es una música que le gusta a pocos, o que pocos están dispuestos a adentrarse en ese mundo porque es incómodo, una paranoia o no le ven sentido, y la gente no se encuentra muchas veces cómoda cuando algo es perturbador, pero eso es precisamente lo que busco.

¿Aceptación? Pues a nivel de eventos o festivales experimentales la tiene, y a la gente le gusta. Aunque es un rollo muy minoritario, también en los dos últimos años se ha creado una especie de escena de igual 50 o 60 personas a las que le gusta y lo entienden, o que por lo menos lo consideran.

¿Cómo ves el panorama de la música experimental en las islas?

Yo lo veo bien, porque como ya te he comentado, en los últimos años han habido una serie de eventos y nosotros como colectivo seguimos apostando por ello, por hacer talleres, aunque es una cosa minoritaría. También la unión de las artes pues le dió a la música otra dimensión, todo lo que esta haciendo Midea, Rafa Pinillos con la pintura y las imágenes, se ha creado de repente una escena de la improvisación, ha surgido el Generador, está el Tanque con el Keroxen estos dos años, es algo bastante positivo. De hecho creo que a nivel nacional en Tenerife hay intercambio, viene la gente de la escena experimental y hay aceptación si no, no existiría esto. Sobretodo hay una especie de fusión, una música más electrónica, drónica, más orgánica, con improvisación libre, gente de conservatorio, Hormiga de Pan, Sal om Free, Rafa Pinillos..., hay bastante gente que está haciendo, programando, organizando y promoviendo, de forma que no nos podemos quejar. Aunque es complicado, depende mucho del ánimo de la gente, o de las subvenciones, pero también hay locales con iniciativa como El Generador.

No crees que el Keroxen es uno de los mejores festivales que se han hecho en las islas en los últimos años.

Desde luego, y hay tres factores para ello. El primer factor es el promotor, que es Néstor. La idea de montar un templo de música, un espacio para las artes menos favorecidas es el motor impulsor fundamental, una cosa tan ambiciosa necesita tener a alguien fuerte detrás y ese es Néstor.

Lo segundo es el espacio, que ya de por sí es un organismo vivo, la gente que ha venido a tocar aquí se queda emocionada porque es un sitio increible, de hecho en España no hay un lugar así. No es solamente el idear el proyecto sino que también sobre la marcha surgen otros proyectos, como sucedió la 1ª edición con la Muralla Sonora y con el concierto de Gaf con Sal om Free, experimentos raros que se dan porque el lugar inspira. Es muy raro encontrar este tipo de sitios en España para la música experimental, quizás alguna catedral.

El tercer factor es el criterio a la hora de seleccionar sin denegar ni bloquear propuestas locales, porque es un espacio que se basa fundamentalmente en las propuestas locales. Néstor pone a la gente de aquí en comunicación y así surgen proyectos nuevos, es un espacio de creación in situ. Se ha traido un cartel arriesgado, pero un cartel de primera categoría en España, igual lo pones en una sala o en un centro cultural y no luce tanto porque puede ser un poco ya caduco, pero en este sitio cobran una nueva dimensión. El elenco de artistas que hay aquí es único porque es otra forma de ver su música.

Tú que has sido jugador de ajedrez, ¿crees que a la hora de componer música puede haber algún tipo de estrategía similar?

Puede ser, la mente es complicada, yo nunca lo he analizado pero nuestra forma de pensar, de crecer, de relacionarnos pues evidentemente se traspasa a otros terrenos. Depende de tu estilo de juego, el ajedrez puede ser muy matemático, muy lógico, muy teórico y también muy improvisado, puede ser freejazz, y a mí me gusta mucho el ajedrez sobre la marcha, de improvisar, de abrir y experimentar. La mayoría de los ajedrecistas lo que hacen es escudarse en la teoría, en lo que ya está comprobado; puedes hacer una canción que guste con una fórmula que ya sabes que funciona, lo haces y puede ser un éxito, pero también hay otro rollo que es lanzarte, experimentar y no tener miedo, en ese sentido sí puede existir una relación.

Texto y fotos: Rayco Arbelo y Eva Sanabria