EL SÍNDROME DE ZA!

En muy raras ocasiones irrumpen en la escena musical propuestas tan contundentes y demoledoras como la de Za!, que te dejan casi al borde del colapso sin darte tiempo a asimilarlo. Encontrarse en medio de un concierto de Za provoca tal estado de shock que se asemeja a una hostia dopamínica a mano abierta en el hipotálamo, algo parecido a lo experimentado por un tal Stendhal cuando visitó Florencia (un tipo sensible el francés), pero no por una abrumación ante tanta belleza como le ocurrió a éste, sino por la hiperventilación sensorial que provoca la explosión sonora de una fuerza de la naturaleza que no sabes como va a reaccionar hasta que te pasa por encima. Spazzfrica Ehd y Papa Dupau tienen la receta para hacer que la mezcolanza de multiples texturas sonoras encaje y dé lugar a uno de los mejores directos del panorama. Como si la conversación no fuera ya por sí sola un arte complicado, nos recuperamos y hablamos con ellos tras su paso por el Keroxen10.

No han pensado en llevar catering o repartir barritas energéticas y complejos vitamínicos en los directos, porque el estado de catatonia en el que me quedé tras el concierto fue muy duro

Edu: Bueno, no había por ahí una megapata de no se qué animal era, cerdo o aquiosaurio, porque era megagorda. No sé, haztelo mirar, tómate un batido antes de los conciertos, un Mcflurry o algo.

Pau: Y estos bajones que dices que te pasan como son, ¿empiezas a ver blanco, te mareas?

Edu: Ojo, que el colega es psicólogo

No si yo estaba muy bien, pero cuando se acabó el concierto me dió el bajón.

Pau: Uf, esto tiene pinta de distimia musicogénica. Hay veces que pasa, procesas ciertos elementos y en el momento que recibes el estimulo musical, te dá el bajón de estado de ánimo.

¿Y hay tratamiento para ello, un antídoto o algo?

Pau: Bueno es algo hormonal, yo te recomendaría que cuando te notes el bajón te fueras a masturbar para darte el apoyo hormonal necesario.

Edu: O también puedes escuchar cosas con armonías muy simples, Mark Knofler por ejemplo. Llévate un walkman con Mark Knofler a los conciertos o ponte el último disco de Sting con una orquesta sinfónica en el que canta canciones de The Police. Tu escuchas eso y resucitas.

Pau: Te va a molar tan poco que no te va a dar bajón, te vas a cabrear. Pasarás de distimia musicogénica a frustración musicogénica

Ya que eres psicólogo, que consejo le darías a todas aquellas madres cuyos hijos escuchen Za!. Imagina que se pone de moda el sonido primitivista chamánico y a la gente le da por vestir así

Edu: Yo me imagino a mi madre con cadenas de oro y abrigos de piel rollo Snoop Doggie Dogg, y con un coche de esos que cuando le das un botón se levanta. A mí me molaría que mi madre fuera así, lo veo bien.

Pau: Yo lo veo de puta madre, quizás para mi el mayor problema es el tema del ron, porque si lleva el rollo yamánico como dices... ¿ pero de dónde viene exactamente el término?

Realmente viene de Yemen.

Pau: ¡Ah vale que son los rastafari de Yemen!, por lo menos si aquí se lleva el rollo yamanico teneís el ron santacruz.

No te creas, engaña porque se han gastado el dinero en marketing en lugar de hacer un ron decente, pero es relativamenbte reciente. Aquí casi cada pueblo tiene su ron. Si hubieran destilerías en cada pueblo la gente no crearía, se pasaría el día colocada.

Edu: Si hubiera más destilerias en cada pueblo yo creo que habría menos grupos y no sé lo que pasaría.

Pau: Justamente no pasaría nada.

Claro, en Terrassa no hay destilerías

Pau: En Terrassa sólo hay industria textil, como mucho podríamos crear bebidas alcohólicas para llevar puestas.

Edu: ¿Cómo que para llevar puestas?. ¿De tipo rollo criogénico?

Pau: Claro, para vestirlas. Habría un telar de alcohol

Pues estaría increible. Llevar un traje que lo pudieras poner en distintos modos según la hora del día

Edu: Claro por la mañana te levantas y lo pondrías en modo carajillo, a mediodía modo sol y sombra, luego modo barretxa o marie brizard. A ti en particular te vendría bien el modo mistela o ratafía y así podrás controlar mejor tus emociones cuando recibas estos impulsos en los conciertos.

Oye y hablando otros temas. Su 2ª disco "Macumba o muerte" fue masterizado por Bob Weston (Shellac) y producido por Santi García, ¿como fue trabajar con ellos? Porque creo que ustedes si no hacen música les acaba explotando la cabeza

Edu: A Santi le hacemos currar un montón. En la grabación del tercer disco, nosotros salíamos del curro, pillábamos el coche y para Sant Feliú. Santi a las nueve nos decía que tenía la cabeza a punto de explotar porque le hacíamos trabajar mucho, pero el trabaja a gusto allí en casa con su hijo Ottis, que vaya jefe. Después de la grabación había un concierto de Chris Brokaw (Codeine) y Jeoff Fariña (Karate) y su hijo Ottis pilló una maraca y empezó a arruinar la canción, y molaba bastante más lo del Ottis que el concierto.

Para este disco hemos cambiado de masterizador, y elegimos a Jeff Lipton que está empadronado en Boston, aunque sus abuelos eran de Wichita. El tío ha remasterizado a los Battles y le gustaba lo que habíamos hecho, aparte mola que su apellido sea el de un té.

¿El famoso té que sabe a la grapa de la bolsita?

Edu: El mismo, de hecho tu chupas una ristra de grapas y tiene más sabor que el Lipton, pero parece buena gente. Bob Weston también se lo curró mucho, estuve este verano en su estudio de Chicago.

¿Cómo fuiste a chicago, de polizón en algún atunero o algo?

Edu: Fui a medias a pié y haciendo auto-stop, que no veas lo jodido que es en la cordillera atlántica.

Pau: Es que es un problema subir la cordillera, estás a 30 km bajo el agua y subir una montaña ahí es muy complicado.

Edu: Yo aproveché ese momento ya que estaba haciendo una gira con Igor Stravinsky, no sé si has visto los you tubes que tenemos por ahí colgados y algún vimeo.com que otro también. Igor, o Strav como le gusta que le llamen, hace un rollo con micros de contacto arrastrándolos por distintas texturas, el "Pájaros de fuego" en 8 bits. Yo cojo la Sega master system y basicamente la lupeo y tuneo. Le meto unas llamas guapas, unos tubacos, un metrakit y unos subwoofer. Aprovechamos la gira y el flow nos llevó a Chicago.

Ah, que entonces también estás metido en el tunning musical

Edu: Si mucho, pero prefiero no hablar de ello, es bastante confidencial

Pau: Claro de hecho al ser japan tunning, para hablar de ello hay que aprender japonés

Hombre yo estudié japonés en la escuela de idiomas.

Pau: Entonces pregúntale lo que quieras a Edu que te lo explicará sin problema.

Chotto nihongo no biru demo nomimasu ka. (N.d,t.:¿Porqué no nos bebemos una cerveza o algo?)

Edu: Hombre, me alegra que me hagas esa pregunta. Nihongo urogosity odadesumadre.........Stravinsky

Me quedó claro, pero eso sonó más a tuno que a tunning

Edu: Bueno sonó más a Sunn O))), a Osasunn O))). Imaginate un equipo de futbol en el que todos llevaran capuchas y se movieran muy lentos por el campo y cuando chutaran sonaran drones "brrrrrrrrroooohhhh"

Bueno tengo entendido que están haciendo algunas canciones para niños o para facilitar el parto

Pau: De hecho son para facilitar el coito. Un poco más en serio, es interesante un cómic de Miguel Ángel Martín que se llama `Parafilias sexuales´, en uno de los capitulos se habla del condicionamiento de unos niños a los cuales a través de una frecuencia muy grave se les condicionan vómitos y diarreas. Entonces la movida es que hay unos adultos que al eyacular emiten la frecuencia y entonces el niño caga, es como un momento de sublimación, es muy pragmático.

Edu: ¿Miguel Ángel Martín es el del canto del loco, no? ¿O Dani? Esto es serio, estamos en el mismo hotel que El canto del loco, que han tocado aquí al lado.

¿Y qué hago yo entrevistandoles a ustedes?

Edu: De hecho te lo quería decir desde el principio, estás perdiendo el tiempo.

Pau: ¿Qué es lo que tiene Dani? Yo no tengo nada contra él pero es curioso.

Edu: A mi me molan más sus primeros discos con Zack Hill, el bateria de Hella. Yo me he tatuado en el antebrazo póstumo el nombre de Dani Martín pero en letras chinas mejicanas. Puse su nombre en el word que puedes cambiar de letra (arial, tahoma...) y lo que ha salido es lo que me he tatuado.

A mi me gusta más el Times New Roman

Edu: Bueno pero eso es ya otra entrevista.

Pau: Podría estar horas hablando sólo del Times new roman. Creo que esta muy bien lo de las letras chinas, pero abogó más por Wingdings (cQWERY9))y te voy a decir porqué, a mí algo que me rompe de las fuentes en general es la verticalidad, en cambio Wingdings te da las dos dimensiones, siempre hay dos o tres esquinas, y eso es fundamental.

Edu: (poseído por Macaco) Escucha lo que dice Macaco. "Abre tu mente a la tercera dimensión, todos somos personas y reciclamos cartón, abre tu mente a la tercera dimensión, uhjah."

Esto ha sido mejor que los Battles

Edu: Macaco es el Tyondai Braxton patrio. Brutal el rollo "pata pata pata pata pass, gua, pata pata pata pata gua, recicla, pata pata pata pata pa, pachamadre, patapatapa pachamama tierra uahsss"

Pachamama sufre cada vez que Dani Martín tira de la cadena, fomenta el calentamiento global

Edu: Tu metes a Dani Martín en un instituto y calientas el planeta un grado más de forma exponencial. Esto lo vi el otro día, yo curro en una radio que sólo se emite de forma telequinetica. Tu te acercas y si estás preparado y sientes el flow, oyes la radio.

Pau: Es telequinesis, tu la radio la sintonizas si estas lejos y te mueres.. esto te mueves.

¿Como que te mueres? ¿Que sólo puedes escuchar la radio desde otra dimensión? Que te tienen que incinerar ¿con una radio casio?

Pau:  Exacto o con un reloj calculadora

¿De los que también sirven para cambiar los canales en los bares cuando juega el Espanyol?

Edu: Un momento, ¿has dicho Espanyol?, ¿tú no has leido mi biografía?. Se ha acabado la entrevista.

Pau: Yo la última cosa que me gustaría comentarte es que Macaco es nuestra máxima influencia, es muy importante para nosotros.

TEXTO Y FOTOS: Rayco Arbelo y Eva Sanabria

PUMUKY, LA CATARSIS MELANCÓLICA

Pumuky es a la música lo que Felix Francisco Casanova (por dejar las referencias en casa) a las letras, una delicada sensibilidad en ebullición que puede resultar salvaje y aturdidora sin perder la fragilidad emotiva. Ya desde sus inicios, bautizado como "Alex kid en el país de las tormentas", se hacía manifiesto que había un genio latente en Jaír Ramírez que terminaría de despuntar como "Pumuky", aventura en la que involucrando a su hermano Noé, nos obsequia con unas descarnadas letras que han acabado convirtiendo a su último disco hasta la fecha, " El bosque en llamas", en su obra cumbre. Y en el Keroxen10 pudimos comprobar junto a una numerosa coreografía elaborada por Élida Dorta, el carácter intimista y los arreglos oníricos de un disco que invita a seguir descubriendo nuevos matices a cada escucha, confiriéndole un efecto reconfortante que hace que su huella perdure en el tiempo y no quede sino esperar con emoción su próxima entrega, en una época demasiado frenética en la que casi no nos paramos a escuchar un disco entero con tranquilidad. Aunque se hayan puesto el listón alto , hay calidad de sobra para saltarlo.

¿Esperaban la repercusión que tendría "El bosque en llamas?

Jaír Ramírez: No, porque nuestra carrera ha sido siempre muy accidentada. Tenemos tres trabajos discográficos (dos discos y un ep), y en cada disco hemos cambiado de sello discográfico y hemos tenido que empezar practicamente de cero, porque cuando entras en una nueva discográfica tienes que cumplir con ciertos requisitos de grabación y no sabes realmente lo que va a pasar. Poco antes de grabar "El bosque en llamas" tampoco teniamos banda, estábamos Noé y yo solos, dos meses antes de entrar a grabar el disco reclutamos a los músicos que ahora están con nosotros y fue tirarse al precipicio. Teníamos las canciones hechas pero no sabíamos como iban a funcionar con la banda porque lo que teníamos eran maquetas grabadas en casa con pocos instrumentos. Nos marchamos a un estudio que fue muy peculiar, porque está metido en un bosque perdido en Galicia, y fue una semana muy estresante. No paramos y salimos pensando que lo que habíamos grabado allí no servía absolutamente para nada, que todo era para tirar a la basura porque teníamos miles de pistas para cada canción, y nos faltaba tiempo para desarrollarlas y acabar de montarlas. Al final completamente desquiciados terminamos el disco a distancia y no sabiamos que iba a pasar con él, estábamos tan viciados con la grabación y con las canciones que eramos incapaces de valorar lo que habiamos grabado.
Noé Ramírez: Al terminar de grabar está todo muy desencajado y hay que volver a estructurarlo, hay que depurarlo todo y ordenarlo hasta conseguir algo aproximado a lo que buscas. Para mezclarlo hubieron sesiones de envios de ficheros de un lado para otro, para ver como iba la mezcla.
Jaír Ramírez: Cuando terminas un disco todo te parece malo porque estás completamente bloqueado. Fue una sorpresa el ver la aceptación que ha tenido, no por el hecho de que nos siga la gente porque somos conscientes de que siempre hemos sido un grupo minoritario y estamos contentos de esa condición, no nos preocupa. Pero lo que hemos tenido es una respuesta muy afectiva, a la gente que ha escuchado el disco le ha tocado muy fuerte y ése para nosotros ha sido el mejor regalo, que te escuchen diez o veinte personas y que para ellos sea un disco importante. Nosotros eso lo hemos sentido con otros discos de nuestra discografía que han sido muy importantes y el tener esa unión sentimental con ese disco que te lo puedes poner mil veces y nunca terminas de cansarte, pues que otra gente te diga que le esta pasando eso con "El bosque en llamas" ha sido el mayor regalo. También nos estamos dando cuenta de que el disco ya va por libre, ojalá que la gente se siga acordando de las canciones cuando nosotros ya no estemos.

La orquestación de las canciones está bastante más elaborada que la mayoría de grupos indies estatales ¿Cómo se consigue trasladar al directo la compleja orquestación del disco?

Jaír Ramírez: Es complicado cuando no tienes banda estable, las características que se tienen que cumplir para poder dar un concierto y que suene como tiene que sonar. Hemos dado muchisimos conciertos pero han sido puntuales los conciertos donde hemos pensado que defendimos bien el disco.
Noé Ramírez: Los ensayos son muy dificiles porque los miembros de la banda viven en diferentes lugares. Cada día estamos más convencidos de que nuestro directo tiene mejor sonido, tenemos mucho más rodaje y vemos la evolución aunque todavía nos queda mucho por hacer.

¿Cómo se lleva el que los miembros del grupo vivan en diferentes lugares?¿Qué es lo más complicado?

Jaír Ramírez: Lo más complicado es que en un directo debe haber feeling, y para que esto pase las personas que forman parte del grupo deben llegar a ser una sola persona. Si ves la prueba de sonido de Za! observas como se comunican perfectamente sólo con la mirada, hay una total sincronía, lo que se consigue con un montón de horas de ensayo, cuando falta ensayo por las circunstancias que sean falta ese feeling y se nota en el directo.
Noé Ramírez: En un principio fue un comienzo bastante más tenso porque falta ese rodaje, pero ya una vez has empezado a ejecutar las canciones empiezas a dejarte llevar por ellas y al final puedes intentar meterte dentro.

Respecto a las letras, se puede considerar que tienen un punto meláncólico o pesimista pero al mismo tiempo redentor, ¿hay alguna espiritualidad presente en ellas?

Jaír Ramírez: Con el tema de las letras lo más que te puedo decir de ellas es que cuando escribimos no pensamos en las consecuencias, yo sé que muchas de las cosas que estoy escribiendo me van a traer problemas, imaginate que quieres hablar de un tema al que le estas dando mil vueltas en la cabeza, un tema que te puede traer problemas con respecto a amigos, familiares o gente que te van a escuchar y va a pensar ¿y a este chico que le pasa? Hemos escrito como si nadie fuera a escucharnos, como si estuvieramos escribiendo un diario que nadie fuera a leer, intentando no ser conscientes de ello, intentando pensar voy a escibir justo lo que necesito escribir aunque duela, aunque alguien se sienta mal, bien o regular. Quizás lo hicimos de una forma inconsciente porque fue una necesidad, escribir es una terapía, es como redimirte o purgarte, yo creo que fue por eso que hemos conseguido conectar con la gente que ha leído las letras y las han sentido muy suyas. Nosotros escribimos porque necesitamos contar las cosas de la forma más cruda posible, además no hemos tenido ningún tipo de concesión, nunca he retocado una frase con el objetivo de dulcificarla. Letras como Los Enamorados o Si desaparezco pueden ser muy bestias así friamente, pero para mí no son deprimentes porque el disco para nosotros es super vitalista. Mucha gente, sobretodo en las primeras criticas hablaba de que las letras eran muy pesimistas pero para nosotros esa gente nunca llegó a entender las letras, es un disco de amar la vida y amar a la gente.

En tus letras es inevitable ver que existen referentes literarios como es el caso de "El lobo estepario" de Hermann Hesse, autor de una espiritualidad marcada, ejemplo de ello es su libro"Mi credo".
Jaír Ramírez: Mi Credo, es un libro muy espiritual porque con este libro Hesse tenía una crisis espirítual, crisis de valores...no sabía por donde seguir, no sabía si los valores que tenía eran los buenos, iba en busca de otros pero no le convencían, era una busqueda. Nosotros pensamos que el ser humano es en esencia espiritual, en el sentido de que no somos como los animales que sólo nos preocupamos por buscar la comida o necesidades primarias, nosotros tenemos la capacidad de buscarle un sentido a la existencia, y este disco tiene mucho de eso, de buscarle sentido a las cosas. Temas como La metamorfosis, una de las letras que engloba todas las sensaciones del disco, es como todos estamos aquí, todos nos estamos haciendo daño, todos cometemos los mismos errores, tropezamos con las mismas piedras, aún así nos tenemos que dar oportunidades porque todos estamos en el mismo camino.

No les ha molestado que a pesar del éxito del disco no haya sido movido por festivales nacionales más mayoritarios.

Noé Ramírez: Siempre hace ilusión tocar en un festival grande y que pueda llegar a más público, pero como no es algo que dependa de nosostros y no podemos hacer mucho más. Este disco nos ha abierto poco a poco muchas puertas y la idea es seguir trabajando y seguir abriendo puertas, sin pensar que tenemos que hacer algo en concreto sino que ya llegará.
Jaír Ramírez: El tema de los festivales es otro mundo, no queremos meternos mucho a valorar esos temas porque sabemos como funcionan y no vale la pena frustrarse por ciertas cosas.

¿Hacia dónde va evolucionando el grupo en la actualidad, hay nuevo trabajo en proyecto? 
Jaír Ramírez: Como siempre no lo sabemos a ciencia cierta, nuestra discográfica tiene un planing y quiere que entremos a grabar en abril, estamos preparando el material y nos gustaría tener el disco en la calle en septiembre de 2011. No tenemos nada claro de lo que va a salir, al final todos tenemos nuestras cosas. Nosotros lo que hacemos es grabar las canciones en casa y nos intercambiamos ficheros, yo voy almacenando lo que vamos teniendo y doy un poco de caña que hay que poner firme a la gente. Ya estamos escuchando el disco en la cabeza y aunque no lo tengamos hecho ya lo vamos fabricando.

¿Qué te parece un espacio cómo El Tanque, tan criticado por algunos sectores afines al sector del ladrillazo y la burbuja inmoviliaria?

Jaír Ramírez: El espacio es único, hay pocos sitios en el mundo que puedan tener la magia que tiene este lugar para los grupos. El cartel del Keroxen de este año es increible, este cartel podía haberse tenido en cualquier ciudad del mundo y hubiera sido un cartel del que hubieran hablado todas las revistas importantes, es un cartelazo. Es un privilegio para Tenerife el poder tener un festival con un cartel como este. Todos los artistas que han tocado aquí se han ido con un buenísimo sabor de boca y todos estarían encantados de volver, lo que hará que se corra la voz y haya grupos interesados en tocar aquí. Es un festival que está empezando y que seguramente irá cada vez a más.
Noé Ramírez: En nuestro concierto yo sentía algo que te llevaba a disfrutar del lugar y de la gente, y que el público esté en silencio crea una atmósfera que es la idónea para dar un concierto de nuestro tipo de música. Como asiduo al Keroxen creo que es un espacio increible para Tenerife y poder tenerlo es un lujo y un privilegio. La apuesta de este año de traer gente nacional e internacional hará que se muevan las características sonoras y las fotografías de este espacio.

¿Qué opinan sobre el acoso que está sufriendo el Honky Tonk y que ha paralizado los conciertos?

Jaír Ramírez: Está claro que hay un transfondo sucio, algo sobre lo que preferimos no pronunciarnos. La labor del Honky era y es encomiable, un local donde puedan tocar los grupos es muy importante para crear una escena ya que sin un lugar donde los grupos puedan tocar, ésta se muere, y en los ultimos años en Tenerife se ha creado gracias al Honky una escena muy potente en poco tiempo. Lo que deseamos es que se solucione todo y que podamos seguir disfrutando de conciertos en el Honky. Yo creo que la gente que está en el Honky es gente que ama lo que hace, que no les mueve el dinero y que van a conseguir sacarlo para delante.
Noé Ramírez: Creo que el Honky está haciendo una importante labor y su función a nivel legal es exquisita, lo que habría que inculcarle a la gente es que su comportamiento fuera del Honky sea ejemplar, y que no haya gente por fuera bebiendo o armando jaleo. El problema del Honky no es el Honky, una forma de demostrar que somos cívicos es respetar el descanso de los vecinos.

Texto y fotos: Rayco Arbelo y Eva Sanabria

Xelo Gina, Damien Paradisi & Alberto Bernal - 30 Noviembre 2010

View on ExposureRoom

Rob Mazurek's Starlicker Trio - 5 Noviembre 2010

View on ExposureRoom

Lydia Lunch & Phillipe Petit - 6 Noviembre 2010

View on ExposureRoom

OAU - 16 Octubre 2010

View on ExposureRoom

Pumuky - 23 Octubre 2010

View on ExposureRoom

Nueva Vulcano, haciéndose grandes de golpe

 

El hecho de que Bcore sea uno de los sellos discográficos nacionales que más ha aportado a nuestra educación musical se debe al buen hacer de bandas como Nueva Vulcano, que tras las cenizas de Aina ha sabido hacerse un lugar destacado a base de mucha calidad en las melodías sin descuidar las letras. Letras cotidianas que describen a una ciudad, Barcelona, que crece a medida que la sensibilidad de Artur, Wences, Albert y Marc va dejando su huella en ella. Aterrizaron en el Keroxen10 por casualidad dado que tenían previsto tocar en el Honky Tonk, pero por problemas nada claros ajenos al local no pudieron hacerlo y con gusto los acojimos evitando así de paso, salir corriendo del Tanque hacia el Honky para llegar a tiempo a su concierto. Todo un placer hablar con Artur Estrada, buena gente.

La verdad que han tenido una llegada accidentada a la isla al no poder tocar a última hora en el Honky Tonk y venir aquí también la policía. Parece que los estaban persiguiendo, pero aquí a veces se maltrata y se intenta dificultar cualquier tipo de movimiento alternativo. ¿Cómo te quedas después de poder tocar después de todo?

Me sabe mal decirlo, pero este problema está presente en todo el estado y en esta gira nos han pasado ya cosas similares, como en Sevilla, donde tuvimos que irnos del sitio programado porque no nos dejaban tocar por tema de volumen y acabamos tocando a las afueras en unos locales de ensayo. El problema es global, es general, sobretodo siempre relacionado con las guitarras eléctricas, en cambio parece que si se den facilidades para montar las grandes discotecas de reggaeton, salsa o makineo. Aquí hemos tenido el apoyo del técnico en todo momento cuando veíamos que el espacio no nos era apropiado por la poca delicadeza con la que tocamos los instrumentos, hemos estado un rato probando e intentando pensar en el bien común y que sonara bien para no molestar. Antes de salir al escenario vimos a la policia ahí y decidimos cortar un par de canciones, tampoco es plan de estar 45 mínutos haciendo el punky. Finalmente ha sido una gran noche para mi, el bajista ha tenido la iniciativa de levantar a la gente de las sillas estas tan bonitas, lo que ha estado genial y se ha acabado creando un ambiente de concierto punk rock.

Con el final de Aina muchos nos quedamos como huérfanos, pero en seguida estabaís ahí con Nueva Vulcano para estar más activos que nunca, ¿cómo han sido estos siete años?

Al principio fue increible, lo arrancamos muy rápido y convivíamos prácticamente juntos, pensábamos que haríamos un disco por año como Woody Allen con sus pelis, e hicimos los dos primeros, algún single y después entre el segundo y el tercero nos costó más, hubo cambios en la vida de todos y en algún momento estuvimos parados. Hicimos una gira americana que nos dió un montón de vidilla y lo pasamos de puta madre, allí hay unos garitos increibles y tienen que ver con la tradición, pues allí el rock and roll tiene su historia, vas a los bares y ves que han tocado Fugazi, los Flaming Lips... que muchos han empezado en ese ambiente. Tiene su gracia girar por aquí porque es menos predecible y esto lo hace divertido, hacía ya cuatro años que no girábamos por las islas y estamos muy contentos con la gira, hemos visto que las cosas van un poco mejor, que hay gente, y que ésta se ha tomado este disco como celebración, vas a tocar y ya ves al público riendo antes de que cojas la guitarra y eso es algo que nos ha gustado de este disco. Me siento superagradecido porque hemos tenido el apoyo de la gente, me ha resultado curioso que quisieran hacerse fotos conmigo, algo a lo que no estoy acostumbrado.

Vosotros tenéis el Heliogábal en Barcelona, local con una programación bastante buena que se caracteriza por acoger propuestas diferentes. ¿Cómo va la cosa por allí ahora mismo?

Ahora es el 15ª aniversario y el equipo actual lleva unos siete años, siempre ha habido en el local tradición de gente potente con muchas ganas de hacer cosas, sobretodo mucha tradición de poesía y música experimental, desde que estamos nosotros igual nosotros lo hemos poperizado un poco. Estamos contentos porque los grupos se han amoldado muy bien al espacio, que es pequeño y en el que hay cabida desde cosas más folkies a grupos como Pony Bravo que moderan su sonido para tocar en el Heliogábal. Luego vienen los Za! y deciden hacer algo con más voces y más pedales, es un grupo en llamas, vibrante; tocaron en un escenario que montamos en las fiestas de Gracia y se llenó, la organización estaba muy contenta de ver a gente que no era sólo de la escena sino del barrio, alucinando y gozando con el espectáculo de Za!

Después del Guincho se habla del sonido Barcelona, ¿tú crees que realmente existe el sonido Barcelona?

De hecho el primer concierto del Guincho fue en el Heliogábal, sonido Barcelona no lo sé, respecto a B-core si puede que exista una manera de hacer muy particular. Creo que el tropicalismo al que se refiere el concepto no es exclusivo de Barcelona, mira por ejemplo Margarita en Madrid. Cuando vi al Guincho probar sonido en el Heliogábal para mi fue una cosa totalmente nueva y muy estimulante, me sorprendió y tiene su mérito. No suelo consumir mucha música actual, este año fui al Primavera Sound porque tocábamos, algún colega me pasa cosas más actuales.

¿Qué te parece el nuevo mesias indie "Pitchfort"? Ahora parece que todo lo que sale en Pitchfort, como Delorean o el Guincho se revaloriza.

Esto es peligroso, no he entrado en la vida en esta web, pero el rollo oráculo es peligroso, cuando he visto algún atisbo de esto en alguna revista o en algún programa de radio, pienso que no es bueno. También tengo que decir a favor de la gente, que la gente ahora no es tan tonta, que ahora existen más medios que nunca para escuchar música online y para ir a conciertos y comprarte o no discos. Confio totalmente en la gente.

Cómo ha sido el cambio a la hora de componer con Aina en inglés y ahora con Nueva Vulcano en castellano, ¿quizás las letras están más elaboradas?

Al principio teniamos algunos temas en inglés y el grupo me animó a componer en castellano y probar algo distinto, era una forma también para nosotros de aportar algo diferente de los grupos con los que tocábamos antes, porque en realidad la manera de tocar, de montar los conciertos y de ver la música es la misma. Al comienzo no sabes lo que te pasa, es como cuando te enamoras y no sabes que cojones esta pasando, luego piensas y hablas un poco más con la gente. Ahora intento trabajar para simplificar y cada vez gozo más de las frases más sencillas y de los mensajes más directos, me gustaría ser más osado o atrevido. Al principio me decían que parecía Bender el de Futurama porque no abría la boca, me mordía los dientes cantando y el Santi, el técnico, me lo había dicho también. En este último disco creo que la música y la voz han ido más de la mano con la producción del disco y no sé por donde iremos pero si que te digo que tengo ganas de explicarme mejor, de sintetizar, de saber lo que quieres decir porque ya hay demasiada confusión en el mundo. Ahora disfruto con las cosas sencillas.

Para mí Santi García tiene la capacidad de sacar el sonido que tienen los grupos en directo, a modo de Steve Albini patrio. ¿En qué medida ha ayudado en el sonido del grupo?

Santi lleva trabajando en la radio desde los quince años y tiene mucho amor a la música. Su carácter se ve en la producción que ha hecho de grupos como Betunizer o de Za!, grupos que tocan de puta madre y que él puede grabar en directo. Admiro de Santi como puede transmitir realmente lo que el grupo está haciendo y eso no es fácil lograrlo. Fuí el cura en su boda, lo casé yo, lo conozco desde pequeño, vino con nosotros en la gira americana y nos hizo de técnico, con Aina también vino a nuestra primera gira yanky cuando grabamos en Washington con Jay Robbins y practicamente no hablaba inglés. Al ver las fotos de esa época dices !hostia Santi si eras un chaval¡ y allí estaba él haciendo el sonido con Guy Picciotto de Fugazi con 18 años. Para mi es estimulante crecer al lado de una persona con tanto talento y una personalidad que ayuda mucho a los grupos, su ambición es sólo a nivel creativo y a nivel de autoexigencia, nunca pensando en la repercusión que pueda tener o las fotos que te tendrás que hacer. Su manera de ver y entender la música es brutal, nosotros coincidimos totalmente con él en esto. Es una gozada, estuve el otro día un fin de semana con él y flipé, con un hijo y no cambía, es un tío fantástico. 

Texto y fotos: Rayco Arbelo y Eva sanabria

DUO SCARBÓ: CUATRO MANOS TOCAN MEJOR QUE DOS

El Dúo Scarbó desborda tal elegancia y virtuosismo que es inevitable no caer en elogios ante estas dos grandísimas pianistas: Laura Sánchez y Elena Hammel. Asistir a uno de sus conciertos es todo un privilegio ya que si no es habitual ver un repertorio de piano a cuatro manos, el dúo es capaz de sacarle partido al instrumento de diversas maneras reinventando hasta el límite las sonoridades del piano en una coordinada coreografía.

¿Qué les ha parecido el espacio donde han tocado esta noche?

Laura Sánchez: El escenario me ha parecido maravilloso, desde el primer momento que lo vi desde fuera me impresionó, y luego al entrar en ese espacio oscuro con las luces en los bidones es increíble. Es muy agradable además para tocar, se está muy a gusto.

Elena Hammel: La entrada parece un laberinto que de repente se abre y aparece un árbol azul enorme, es precioso, quieres mirar el techo.

Tanto cuando realizan obras para dos pianos o para uno sólo a cuatro manos, ¿es difícil compenetrarse entre las dos y más viviendo en lugares distintos?

Elena Hammel: Bueno, eso es reciente, yo estuve viviendo doce años en Madrid y tuvimos ocho años para compenetrarnos y si no lo conseguimos en ese tiempo... olvidate de que funcione.

Laura Sánchez: Trabajamos y ensayamos muchísimo juntas, en los últimos años hemos trabajado mucho a través de email, grabábamos nuestra parte cada una y nos la enviábamos. Cada una iba ensayando un poquito y funciona porque luego te juntas y tienes mucho ganado.

Elena Hammel: Ya es cuestión sólo de perfilar un par de cuestiones que no van a metrónomo y en dos días está listo para tocar.

Llama la atención la cantidad de autores contemporáneos que han realizado obras en exclusiva para ustedes, como es el caso de Turina.

Laura Sánchez: Hay unos cuantos compositores como José Luis Turina, un compositor andaluz llamado José Miguel Moreno, también Santiago Lanchar es otro compositor del que hemos estrenado una obra recientemente, la semana pasada.

Elena Hammel: Ramón Guridi, compositor chileno que vive ahora en Berlín y que nos compuso una

obra que es actuada y tocada y que está muy bien. La verdad que hemos tenido mucha suerte porque todas las obras que nos han compuesto han sido muy buenas.

¿Existe abundante repertorio para cuatro manos?

Laura Sánchez: Hay repertorio muy antiguo, más clásico; se van haciendo cada vez más cosas pero es difícil encontrar dúos de piano que funcionen y que estén tocando. No hay tantos por supuesto como pianistas solistas o otro tipo de agrupaciones de cámara porque somos dos que tocamos un mismo instrumento y que tenemos educada la misma personalidad artística y pueden surgir bastantes peleas en ciertos momentos. Y encima en un piano a cuatro manos estás totalmente pegado y no es fácil encontrar una persona con la que de verdad puedas congeniar bien, ensayar y aguantar.

Elena Hammel: Para el compositor requiere una visión del sonido muy especial porque se crea para dos en un mismo instrumento y se puede hacer muy pesado tener tantas notas en un mismo piano, es saber balancear bien lo que es el sonido del piano con veinte dedos y no todos los compositores logran eso.

Los conciertos de piano suelen ser más estáticos, pero por la gran movilidad y coordinación con la que tocan el concierto se convierte casi en una performance

Elena Hammel: Es como una coreografía, porque cuando estamos en el mismo piano nos chocamos y a veces una tiene que tocar entre los dedos de la otra. Eso empieza muy lentamente, todo lo que has aprendido de técnica clásica de piano se va por la ventana a la hora de coordinar.

Laura Sánchez: Y eso en un piano a cuatro manos, luego en dos pianos por ejemplo, la semana pasada que tocamos en el Festival de Música Contemporánea de Tres Cantos donde estrenamos esta obra de Santiago Lanchares y otra obra de José Luis Turina que compuso para nosotras, y el problema para dos pianos es que no te escuchas bien porque tienes las dos cajas de resonancia de los pianos enfrente, entre una y otra, y es difícil coordinar el sonido, las respiraciones y no te ves los gestos. En dos pianos se pueden conseguir una gran cantidad de efectos sonoros pero es mucho más difícil porque no escuchas igual y hay que trabajarlo mucho. Las obras que nos componen intentamos siempre interpretarlas delante de los creadores porque así sabemos lo que ellos quieren.

En la pieza “Celestial Mechanics” de George Crumb, la última que tocaron en su actuación en El Tanque, ¿cómo se puede leer la partitura para saber cuando hay que levantarse y tocar dentro de la caja?

Elena Hammel: Leer esa partitura llevó su tiempo, fue un proceso lento porque tienes que aprender lo que son las distintas señales de apagar las cuerdas, hacer armónicos, o los toques dentro de la madera, entonces cada toque tiene su señal y cada compositor lo hace a su manera. Al principio tienes que ir muy lento con un metrónomo, pero ya cuando se toca un par de veces no tiene porque haber problemas.

Laura Sánchez: La obra fue compuesta para un piano Steinway de concierto, y cuando vas a un escenario te encuentras el piano que te encuentras y no tienen las mismas barras, los armónicos no coinciden en el mismo sitio, hay veces que tienes que meter los dedos debajo de las barras para conseguir el armónico imposible. Algunos armónicos tuvimos que cambiárnoslos entre nosotras casi a última hora y había que improvisar con ello.

¿Tienen repertorio en solitario o se dedican casi exclusivamente al dúo?

Laura Sánchez: Profesionalmente nos hemos dedicado más al dúo porque de verdad no hay tiempo, esto nos consume todo el tiempo y nos encanta. A veces trabajo con coros, coros de niños, soy profesora del Conservatorio de Getafe y toco con gente, pero es otro nivel diferente. El de exigencia de concierto de verdad es con dúo, no queda tiempo para nada más.

Ya que te queda poco para dar a luz (Elena Hammel), ¿qué repertorio para bebés o música infantil recomiendas?

Elena Hammel: En mayo vamos a tocar en Puerto Rico “El carnaval de los animales” (Camile Saint-Saëns) y es perfecto para bebés porque tienes a todos los animales interpretados en música. Es lo que va a escuchar cuando nazca.

Texto y fotos: Rayco Arbelo y Eva Sanabria

MENOS MAL QUE EXISTE THE BIG HEAD TROUBLED BOY

Cuando lo dejas todo por la música es porque realmente tiene que haber una pulsión interna que te empuje a ello, una irrefrenable necesidad de expresarse y sacar fuera las emociones antes de que se pudran dentro. Mucho le debemos a todos esos músicos que se han lanzadoy que han puesto banda sonora a nuestras vidas, pues no es al fin y al cabo la poética la historia de los sentimientos.

Mireia se arriesgó por su música y tras un largo y duro proceso de grabación colgó su primer disco para que se lo descargaran a partir de 0€, dejando claro que lo que quería es que la escucharan. Detrás de una apariencia delicada se esconde una gran voz que nos narra historias crudas, tal vez porque son reales y no hay nada más crudo que lo que has vivido en tus carnes, experiencias de las cuales cuesta reponerse, y que el sacarlas en canción quizás llegue a ser liberador. En el arte de la música parecer ser inevitables los símiles pero me parece una blasfemia el compararla con esa horda de cantautoras femeninas indies actuales, simplemente por el hecho de ser mujer y tocar la guitarra. Por favor no le hagáis eso, a ella no.

¿Cómo ha sido la gestación del "Broken", el hecho de que haya sido autoeditado, todo lo que te ha costado irte a Inglaterra, y el proceso en sí de creación de las canciones?

Pues muy largo, complicado, y caro. De algo de lo que estoy muy orgullosa es de haberlo realizado yo sola, pero bueno ha sido muy dificultoso, sobretodo el tema de haber ido a Londres a grabar que es mucho más caro. Es díficil el conseguir determinados medios que están en tu cabeza y que sabes que no te los puedes permitir, pero tenía el objetivo de un disco con un trio de jazz y trabajé como una loca para conseguirlo y poder pagar el disco, no trabajaba para otra cosa.

Respecto a la creación de las canciones, ha sido un proceso muy interesante, la verdad es que empecé a escribir hace años, cuando tenía 15, pero las canciones del Broken tiene unos tres o cuatro años, de cuando volvi de Londres. Si me pongo soy muy productiva, llego a escribir dos o tres canciones al día, no necesariamente muy buenas o acabadas, normalmente las olvido. Para el "Broken" sólo tenía que elegir diez canciones y éstas eran las que fui recuperando porque a los dos o tres días de componerlas las cantaba, me acordaba o pensaba que se podía trabajar sobre este tema. Sin embargo, para el segundo disco que estamos grabando ahora he tenido que elegir trece canciones de seis meses y vas con más miedo pensando que los temas quizás no tengan tanta fuerza. La idea es que las canciones funcionen por sí solas porque a veces los discos que escuchamos los hacen grandiosos todos los arreglos, la producción y el trabajo en estudio, pero luego en el directo es muy díficil defenderlos solamente con guitarra y voz.

¿Qué diferencias con respecto al sonido hay en el segundo disco en comparación con el "Broken"?

Broken es un disco que pretende ser minimalista y no es muy pretencioso. Las canciones son cortas y precisas, quería recoger unas historias de los ultimos años y explicarlas a través de fotografías, imágenes, sabores, cosas muy pequeñas. Se hizo con mucha prisa en cinco o seis días y se invirtieron pocas horas de estudio y muchas de logística, pensando y maquinándolo. "San Antonio", que es el segundo disco, es más bien una explosión de energía, rabia y enfado. Tiene muchísima percusión y es muy distinto a la tranquilidad del "Broken", ya que mucha gente me dice que éste le relaja y eso no sé si es bueno o malo; es un disco que no se puede bailar en una fiesta.

"Broken" si puede parecer relajado pero se transforma en un directo cargado de rabia, que quizás se acomoda más a las letras, ¿llega a ser catártico para tí expresar eso en directo?

Todo el mundo dice que la canción Revenge que abre el disco es bonita, pero la letra es muy jodida, es un reproche continuo. Dice "no me importa que me abandones, no me importa pagarte las deudas", y me pasó de verdad. Es una canción que explica como una persona con la que estaba de alguna manera muy unida, desapareció para no volver, y explica todo el enfado, el luto y el proceso que viví. El disco habla de toda esa ruptura, de lo que se rompe, se destroza de un día para otro y necesitas recomponer y volver a creer en eso, e intentar reconciliarte con tus sentimientos y con la confianza que se pierde por completo. Es un disco muy crudo en letras y muy preciosista en música. Sin embargo "San Antonio" tiene una música con más fuerza , si en el "Broken" procure no gritar y no alterar más el dolor, en este segundo disco me he permitido subir el volumen, gritar, es la pelea y luego espero que llegue la calma absoluta, y haré un disco zen. Creo que ha sido un proceso natural, primero el llanto y el recogimiento y luego el grito y la fuerza. Las letras de "San Antonio" son más emocionales.

Tienes proyectos en catalán (Tired Hippo), en castellano (No nos llamamos Fiodor) y en inglés (The Big Head Troubled Boy), ¿tienes alguna lengua en la que te sientas más comoda a la hora de expresarte?

Cuando me fui a Inglaterra me marcó tanto... mi primer viaje allí fue con 17 años, y aprendí inglés de manera rápida, me pasaron muchas cosas y empece a escribir en inglés, a escribir poemas y correspondencía. Me enamoré en inglés; y al tener una relación con una persona de origen canadiense tenía la necesidad de expresarme en inglés y aprendí a elaborar el lenguaje de forma más emocional, lo que provocó que empezara a componer en este idioma. Nunca había escrito antes, pero ahora si escribó en castellano y tengo intención de que "San Antonio" nos traiga una canción en castellano porque por ejemplo mi madre es mexicana y cantó canción mexicana muchas veces, es pura emocionalidad y no tiene nada que ver con lo que hago con Big Head. Por otro lado la temática de No nos llamamos Fiodor con temas como: Ese chandal es del LIDL, Rita Barberá, Los clásicos rusos..., son cosas más rebeldes. Es como tener diferentes creadores dentro de mí y cuando me siento a escribir algo, ellos sólos toman la dirección dependiendo de como funcionen. Las canciones con una respuesta emocional más fuerte normalmente acabán en inglés, pero quiero moverme más profundamente hacía el castellano. Otra cosa que afecta es nuestra educación musical, personalmente todo lo que escucho es en inglés lo que es indiscutible que te afecte. Es muy dífícil cantar en castellano sobre determinados temas porque no estamos acostumbrados, y como trates un tema más emocional todo suena a Amaya Montero.

¿En qué sentido te ha perjudicado el hecho de ser mujer en la industria musical y que te comparen con productos como Russian Red por el simple motivo de ser mujer y tocar la guitarra?

Siempre me quejo porque me dicen: "tocas la guitarra y cantas como Russian Red", y siempre contesto "y como Bob Dylan o Stephen Malkmus" puestos a poner referentes. Ser mujer te limita al campo de las mujeres que tocan y cantan, a lo mejor no soy una gran guitarrista pero me dicen que para ser tía toco muy bien y les mando a la mierda. Cuando me fui a comprar la guitarra, una Gibson J100, el dependiente me dijo que esa guitarra no era de chica, que tenía unas guitarras blancas muy bonitas,¡blancas! Piensas hasta que punto la calidad musical se limita a nuestra cultura, a lo que estamos acostumbrados, es complicadísimo escribir canciones cursis y cantarlas en la voz de una mujer porque te estas perjudicanto a ti misma, le estas haciendo daño al mercado musical ya que estas creando fresas con nata

Por ejemplo escuchas a Micah P. Hinson y es maravilloso, pero si sus canciones las cantara una mujer sería lo más empalágoso de la historia entera, sonaría en Cadena 100 y a la gente le encantaría. Hay mujeres que me gustan como cantan como PJ Harvey, Nina Simone, Cat Power o la vocalista de Beach House porque tienen la voz supergrave. Tengo que enfrentarme al hecho de que tengo que escribir para voz de mujer, es como negar algo que es tan natural que no debería ser así, uno de mis proyectos futuros es escribir canciones y que las cante un chico porque a mi lo que me gusta es escribir, interpretar ha sido secundarío. Muchas veces me han acusado de machista, no me importa porque me gusta ser provocadora, ya estoy cansada de discriminación positiva, del te lo perdonamos por ser mujer. Sinceramente creo que somos animales y que cada uno expresa el lenguaje como puede y el mio es el musical y luego está toda la cultura, lo que nos venden y lo que tenemos. Soy muy rádical con ciertos puntos de vista, muchos se esperan que yo sea delicada y diga cosas como "la música es muy bonita", pues no, la música es una mierda, es muy complicada y muy cara, exige muchos sacrificios y es un mundo de hombres y yo pertenezco al género opuesto. No estoy completamente de acuerdo con el tema del género.

¿Qué sacrificio te supone tocar con músicos profesionales?

Voy con un trio con el que, por ejemplo, para hacer este concierto en Keroxen no hemos ensayado. Los contrato para los conciertos y nos vemos uno o dos días antes de hacerlos. La que lleva la composición, el proceso creativo y la producción soy yo, a mi me satisface porque sé que es mi proyecto y que luego trabajas con gente. Ellos son muy buenos y tienen mucha más experiencia que yo. No somos un grupo de amigos que quedamos y ensayamos los sábados, es Mireia que llama a su banda para reunirse en una ciudad del mundo, cuando hay temas nuevos les envió las partituras y los compases. Estoy muy contenta porque los resultados son bastante positivos.

"El Tanque" es un lugar único con una acústica especial, pero aún así hay voces políticas que están tratando de eliminarlo por cuestiones meramente especulativas. ¿Cómo ha sido la experiencia de tocar en un espacio como éste?

Yo creo que deberíais traer a Rita Barberá a que gestione esto, estoy a favor de la urbanización masiva y creo que quedaría muy bien un hotel de tres estrellas ahí, pero un hotel de estos cutres de pared de papel en los que se escucha todo. Es broma. Es una maravilla que exista un lugar como El Tanque, aluciné tocando allí, es muy especial, y me encanta la instalación y la iluminación; es muy díficil sonorizarlo, pero que se hagan estas propuestas es increible. Para mí fue una gran experiencia el venir y tocar, cuando veía al público en ese espacio que es como un circo, estaba alucinando, se notaba muchísimo la energía, es una maravilla que la industrialización nos haya dado cosas como estas, tan maravillosamente humanas, latentes y vitales. Ojalá se hicieran conciertos cada sábado, es una pasada. Si me invitan otra vez vengo.

Texto y fotos: Rayco Arbelo y Eva Sanabria

BONNIE Y LA CREACIÓN EXPERIMENTAL EN CANARIAS

Gaf y La estrella de la muerte

Ante el espectro tan amplio de sonidos y estilos que podemos encontrar en la música, un músico que se precie no puede cerrarse a un sonido determinado sino que tiene que estar abierto a todas las influencias auditivas que le puedan llegar, ¿pues no es para un músico el mejor alimento la diversidad rítmica y armónica?

Mladen Kurajika "aka" Bonnie, lleva más de una década batallando y haciendo que la música experimental en Canarias tenga un nombre. Desde los desaparecidos Emeth, los múltiples formatos de GAF (proyecto con el que recientemente han fichado por Foehn records) o el más ruidista Afgan, no ha parado de investigar y colaborar con otros músicos sin cerrarse a ningún sonido concreto, sino que con gran iniciativa despliega una amplia variedad de estilos e influencias. Además de miembro del Colectivo Drone, ha colaborado en la organización de los festivales Croma, Próximos y también ha tenido un papel destacado en las dos ediciones del Keroxen.

¿En qué momento se encuentra Gaf después de fichar por Foehn records?

Gaf está en un buen momento, la cosa va marchando y estamos en el camino. Son ya diez años desde que el proyecto está activo, con sus pausas, pero parece ser que ya está llegando a alguna parte, el dónde, no lo sabemos. El sello está interesado y nos empuja a seguir para delante, saca nuestro material y nos está promocionando, también parece que tiene buena crítica en los círculos más especializados. Llevamos dos años a saco, por eso hemos sacado dos discos y ahora estamos grabando el tercero, el año pasado no paramos de tocar y este año sigue existiendo buena oferta , lo que nos da una cierta comodidad a la hora de plantearnos el futuro. Si seguimos así, pues disfrutaremos, pero no sé hasta donde podremos llegar.

Los grupos se quejan de que no existen locales para tocar en la isla, aunque ahora con el Honky eso ha cambiado un poco, pero el año pasado fue raro el mes en el que no hicieran algún concierto.

El año pasado hicimos aproximadamente unos treinta conciertos, tocamos en casi todos los grandes eventos de Tenerife, en Las Palmas, la Peninsula, París, Amsterdam, Berlin... y México este año. Ha sido constante, pero no sólo a nivel de tocar sino también a nivel de producir, montar cosas, todo al fin y al cabo es lo mismo porque si no estas tocando igual estas montando algo, al mismo tiempo estás aprovechando para hacer contactos y mover la cosa de otra forma. El año pasado fue curioso porque hubo bastante movimiento en Tenerife y la gente quería contar con nosotros, tanto un par de festivales grandes que ha habido, como el Espacio Enter del TEA o el Eólica que creó el Espacio Experimental, como otros eventos. La verdad es que nosotros siempre estábamos dispuestos y esa es la razón, el sufrimiento y a veces el masoquismo de uno para tocar tanto. 

¿De dónde sacas tiempo para tantas colaboraciones?, porque no sólo es Gaf o Afgan, sino Pumuky, Tupperware, Rob Mazurek, Stephen Lawrie, ahora la colaboración con Élida, que era ya lo que te faltaba, el hacer bandas sonoras.

Hay un proyecto en camino con D.WattsRiot y con Juan Belda hay otra colaboración, pero ahora estámos aprovechando para grabar el tercer disco que es La Estrella de la muerte, con el formato que estamos tocando ahora, y después necesitaremos un descanso, dedicarnos a tocar los temas de siempre, los de toda la vida. También es curioso que hace tres años cuando trabajaba con dos o tres miembros de Gaf, cuando haciamos sólo Gaf, lo grababa y lo llevábamos al directo, sacamos tres discos y también fue una locura, y luego de repente tres años sin nada, todo se acumula y ahora, con lo de Foehn nadie esperaba esto. Íbamos a hacer un disco poco a poco, pero resultó que les mostré, en una feria a la que fui a tocar con Pumuky en el Monkey Week, una maqueta con los temas de tres formatos y nos dijeron, pues los tres formatos. Era un momento en el que ya pensábamos incluso en la autoproducción, a nivel local.

¿A qué se deben las diferentes formaciones de Gaf ?

Eso tiene que ver más con la filosofía misma del proyecto, de hecho nos tratan como si fuéramos un colectivo, que puede ser. En Foehn nos toman directamente como Gaf para simplificar las cosas, pero aunque sean diferentes formatos, realmente es el mismo rollo aunque los componentes son distintos y también el material. Nosotros somos bastante abiertos, nos gustan un montón de cosas, y a la hora de hacer un disco, de hacer un formato, tenemos que desechar muchas cosas por aspectos estéticos y también por la infraestructura. Hemos pensado que lo mejor es separar, los tres formatos están en activo pero cada uno a su tiempo porque son estilos distintos. La Supreme es más duro, con temas más largos, más experimental e instrumental, más drone; La Estrella de la Muerte es más suave, más folk y comercial, y Gaf sólo puede ser cualquier cosa, de todo un poco.

Con respecto a Afgan, es un proyecto bastante arriesgado porque cuando todo el mundo busca la armonía, aquí investigas más en lo inarmónico, que es por donde le queda mucho camino a la música por desarrollarse. ¿Puede considerarse tu proyecto más personal?

Quizás porque en Gaf no encontraba su salida, surge como necesidad de investigar, explorar un universo que no es posible ni con Gaf ni con Tupperware, el ambient y el ruido. Precisamente por eso no hay melodía, se centra en la nada, en el silencio, es como una autopista constante que va para arriba, normalmente son sets de un tema o como mucho dos, que empieza en una parte y termina en otra no se sabe donde. Lo que intento conseguir es la bulla, y muchas veces en la medida de lo posible provocar una reacción física, que no es fácíl porque necesitas mucho sonido. Es una música oscura, intento que no se me vea a mí, que yo no esté presente, crear una atmósfera y dejar que se desarrolle por si misma, por supuesto siempre dependiendo de mi estado de ánimo.

Afgan

Afgan me parece bastante respetable porque es una música que si ya no es fácil de aceptar a nivel especializado, el hacerlo en un círculo reducido como éste es más loable si cabe por su dificultad. ¿Cómo ves su aceptación en Canarias?

Está claro que es una música que le gusta a pocos, o que pocos están dispuestos a adentrarse en ese mundo porque es incómodo, una paranoia o no le ven sentido, y la gente no se encuentra muchas veces cómoda cuando algo es perturbador, pero eso es precisamente lo que busco.

¿Aceptación? Pues a nivel de eventos o festivales experimentales la tiene, y a la gente le gusta. Aunque es un rollo muy minoritario, también en los dos últimos años se ha creado una especie de escena de igual 50 o 60 personas a las que le gusta y lo entienden, o que por lo menos lo consideran.

¿Cómo ves el panorama de la música experimental en las islas?

Yo lo veo bien, porque como ya te he comentado, en los últimos años han habido una serie de eventos y nosotros como colectivo seguimos apostando por ello, por hacer talleres, aunque es una cosa minoritaría. También la unión de las artes pues le dió a la música otra dimensión, todo lo que esta haciendo Midea, Rafa Pinillos con la pintura y las imágenes, se ha creado de repente una escena de la improvisación, ha surgido el Generador, está el Tanque con el Keroxen estos dos años, es algo bastante positivo. De hecho creo que a nivel nacional en Tenerife hay intercambio, viene la gente de la escena experimental y hay aceptación si no, no existiría esto. Sobretodo hay una especie de fusión, una música más electrónica, drónica, más orgánica, con improvisación libre, gente de conservatorio, Hormiga de Pan, Sal om Free, Rafa Pinillos..., hay bastante gente que está haciendo, programando, organizando y promoviendo, de forma que no nos podemos quejar. Aunque es complicado, depende mucho del ánimo de la gente, o de las subvenciones, pero también hay locales con iniciativa como El Generador.

No crees que el Keroxen es uno de los mejores festivales que se han hecho en las islas en los últimos años.

Desde luego, y hay tres factores para ello. El primer factor es el promotor, que es Néstor. La idea de montar un templo de música, un espacio para las artes menos favorecidas es el motor impulsor fundamental, una cosa tan ambiciosa necesita tener a alguien fuerte detrás y ese es Néstor.

Lo segundo es el espacio, que ya de por sí es un organismo vivo, la gente que ha venido a tocar aquí se queda emocionada porque es un sitio increible, de hecho en España no hay un lugar así. No es solamente el idear el proyecto sino que también sobre la marcha surgen otros proyectos, como sucedió la 1ª edición con la Muralla Sonora y con el concierto de Gaf con Sal om Free, experimentos raros que se dan porque el lugar inspira. Es muy raro encontrar este tipo de sitios en España para la música experimental, quizás alguna catedral.

El tercer factor es el criterio a la hora de seleccionar sin denegar ni bloquear propuestas locales, porque es un espacio que se basa fundamentalmente en las propuestas locales. Néstor pone a la gente de aquí en comunicación y así surgen proyectos nuevos, es un espacio de creación in situ. Se ha traido un cartel arriesgado, pero un cartel de primera categoría en España, igual lo pones en una sala o en un centro cultural y no luce tanto porque puede ser un poco ya caduco, pero en este sitio cobran una nueva dimensión. El elenco de artistas que hay aquí es único porque es otra forma de ver su música.

Tú que has sido jugador de ajedrez, ¿crees que a la hora de componer música puede haber algún tipo de estrategía similar?

Puede ser, la mente es complicada, yo nunca lo he analizado pero nuestra forma de pensar, de crecer, de relacionarnos pues evidentemente se traspasa a otros terrenos. Depende de tu estilo de juego, el ajedrez puede ser muy matemático, muy lógico, muy teórico y también muy improvisado, puede ser freejazz, y a mí me gusta mucho el ajedrez sobre la marcha, de improvisar, de abrir y experimentar. La mayoría de los ajedrecistas lo que hacen es escudarse en la teoría, en lo que ya está comprobado; puedes hacer una canción que guste con una fórmula que ya sabes que funciona, lo haces y puede ser un éxito, pero también hay otro rollo que es lanzarte, experimentar y no tener miedo, en ese sentido sí puede existir una relación.

Texto y fotos: Rayco Arbelo y Eva Sanabria